En una subasta de dos días el artista británico, Damien Hirst, impuso un nuevo récord de ventas dedicadas a un solo artista superando los US$200 millones.

La casa de subastas Sotheby's de Londres estaba abarrotada de potenciales compradores para la sesión final de la venta de la colección titulada "Beautiful inside my head forever" (Para siempre bello en mi cabeza), que incluía 223 lotes. Sin embargo, hubo unas sorpresas durante la puja - una cebra en un tanque de formol alcanzó apenas US$2 millones, mitad del mínimo estimado. Es la primera vez que un artista vende gran parte de su obra en una subasta directa.

Otras piezas alcanzaron precios muy por encima de los que estimó la casa de subastas, con un potro en formol en un tanque de vidrio y acero, titulado "El Sueño", que vendió en unos US$4.5 millones el martes.

"Placeres Desconocidos", una pieza hecha de acero bañado en oro, vidrio y diamantes artificiales que se esperaba vender entre US$800.000 y US$1 millón, alcanzó eventualmente alrededor de US$3.5 millones, incluyendo la prima que paga el comprador.

La obra con una mariposa como tema central titulada "Reencarnada" sobrepasó los US$3 millones, doblando su estimado.

El experto en arte Charles Dupplin felicitó a Sotheby's y a Hirst por la venta. "Esto marca un hito y un día espectacular para el mercado de arte durante un año que ha visto muchos precios récord rotos, a pesar del lúgubre panorama económico", afirmó.

El miércoles, la obra "El Becerro Dorado" - un ternero en un tanque de formol con un disco de oro coronando su cabeza - vendió en US$18 millones, el precio más alto jamás alcanzado por un Hirst en subasta.

El artista se arriesgó al ofrecer 223 piezas nuevas directamente a través de Sotheby's en lugar de una galería, pero Hirst declaró que era una manera más democrática de vender arte.

Todo se vendió con la excepción de 5 lotes y Hirst ahorrará millones al evitar pagar la alta comisión de un intermediario de arte.


El récord anterior establecido por la venta de un solo artista se logró en 1993 por la obras de Picasso, que alcanzaron US$20 millones. El total en Sotheby's de casi US$220 millones incluye la prima que recibe la casa de subastas.


BBC Mundo

Valor histórico

Según los organizadores, el grabado está asegurado, pero tiene más un valor histórico que monetario. La policía está revisando los videos de seguridad para dar con los responsables que desatornillaron el pequeño cuadro que estaba anclado a la pared, como el resto de la serie. Sin embargo, el subdirector de la policía metropolitana, coronel Yesid Vásquez dijo que no tenían sospechosos.

Los organizadores hicieron un llamado a la ciudadanía para que colabore con la recuperación del grabado. La exposición continuará abierta al público según lo programado y luego se trasladará a la ciudad de Medellín.

BBC Mundo

Un día más nos acercamos a la comunidad artística de meseon para charlar y conocer mas de cerca a Pablo Schugurensky (blog), artista plástico argentino ubicado en Madrid.



Pablo Schugurensky: "Yo no quiero transmitir nada, al menos, nada especifico que se pueda traducir al lenguaje hablado.
Simplemente es el terreno en el que me formulo las preguntas que se viene haciendo el ser humano desde siempre: ¿Qué somos? ¿de dónde venimos? ¿adonde vamos?"



P: Hola Pablo, para comenzar con nuestra entrevista, sería interesante que nos hablaras de ti, de tu infancia y de tu vida en Argentina.
R: Recuerdo mi infancia como “feliz". Nací en Catamarca ( 1954), ciudad del norte argentino donde viví solo 2 años. Mi familia, compuesta en ese momento por mis padres y mi hermana mayor (luego vendrían otros dos hermanos ) se trasladó a Buenos Aires, donde vivimos hasta el año 1962. Cumplí los nueve años en un barco emigrando a Israel donde vivimos tres años. Terminé la primaria en Inglaterra y regresamos a Buenos Aires, un año después.( 1966). O sea que la educación primaria la hice en tres idiomas: castellano, hebreo e inglés. Supongo que eso marca. Mi padre es arquitecto educado en el clima de las vanguardias del siglo xx: Le Corbusier, Gropius, Mies Van der Rohe, etc, la pintura de Picasso, la música de Stravinsky y el Jazz. Mi madre cantante de Opera (nunca quiso “profesionalizarse”) con gustos mas clásicos y conservadores pero de enorme sensibilidad.

P: ¿Cuando decides trasladarte a Madrid?
R: Mi mujer y yo nos trasladamos a Madrid en 1988.

P: ¿Cuando notas tu predisposición hacia el mundo del arte?
R: Mi predisposición hacia el arte estuvo “siempre”: la música, la pintura y la arquitectura. Recuerdo que desde pequeño miraba “hipnotizado” los autorretratos de Van Gogh y un libro gordo de Picasso que había en casa. Sin saber porque, presentía que ese era el terreno en el que debía formular mis preguntas.

P: Dime Pablo, ¿Qué es arte para ti?
R: Es difícil definir que es el arte, para mi arte y vida siempre fueron uno. Si creo que para que haya arte, además del talento y la sensibilidad de cada uno, debe existir un dominio del oficio. El arte de los niños o el de los “locos” tan inspirador siempre, han sido para mi solo una parte mas de mi aprendizaje. Pero ese es otro tema.

P: ¿Como te iniciaste en la pintura?
R: Siempre dibujé y pinté. Pero quizás fue a los dieciocho años cuando se transformó en una actividad exclusiva y casi excluyente. No es que no hubiera otras cosas, las había y las sigue habiendo, pero el elemento vertebrador es la Pintura.

P: ¿Por qué eliges la pintura como medio de expresión?
R: ¿de verdad elegimos? ¿o somos elegidos? he ahí la cuestión.


P: Vemos en tu trabajo una gran humanidad, los rostros, las miradas de tus personajes nos transmiten y cuentan historias diferentes y complejas, ¿que es lo que quieres transmitir con tus pinturas?
R: La verdad es que la respuesta debiera ser “nada”. Yo no quiero transmitir nada, al menos, nada especifico que se pueda traducir al lenguaje hablado. Simplemente es el terreno en el que me formulo las preguntas que se viene haciendo el ser humano desde siempre: ¿Qué somos? ¿de dónde venimos? ¿adonde vamos?

P: ¿Nos podrías hablar de alguna de tus obras en particular?
R: Entiendo “mi obra” como una totalidad, un proceso en el que cada cuadro conduce al siguiente. No puedo hablar de uno en particular, la eficacia de un cuadro está en su capacidad de dar pie al siguiente y no en su posible nivel de logro.

P: ¿son importantes los personajes en tu obra?
R: Creo que su importancia reside en ser el vehículo de mis emociones mas que en si mismos. No obstante supongo que la elección del personaje no es casual, obedece a mis inquietudes del momento. En ese sentido el retrato es primero un “Schugurensky” y luego un personaje.

P: En tus series “Fashion” las mujeres que aparecen son andróginas, sus grotescos y encarnizados retratos nos hablan de su vida y su mundo, ¿que quieres decirnos con esas obras?
El mundo es complejo. La imagen que de el tenemos (la que se nos quiere mostrar) y esto incluye a las modelos de pasarela, a la moda, al “glamour” es cuanto menos unilateral por no decir falsa. Para mi La Belleza es otra cosa, algo así como un Aleph (que diría Borges) donde confluyen la sensualidad con la sordidez, la fineza con el grotesco, la vida con la muerte… Como decía en otra pregunta yo no quiero contar nada. El lenguaje pictórico dice y expresa cosas que no pueden ser dichas de otra manera.


P: Supongo que hasta llegar a este estilo que te caracteriza has debido de pasar por muchos estados y etapas a lo largo de tu vida, ¿podrías hablarnos de ello?
R: Efectivamente hay un recorrido. Yo empecé copiando a los pintores que me gustan, con la idea de aprender un oficio, Copié desde los dibujos de Rembrandt hasta el Guernica de Picasso pasando por Ingres sin desdeñar a Delacroix y así sucesivamente. La primera serie que me atreví a firmar sin mayores remordimientos se llamó Schugujeres y fue por los años ochenta. Paradójicamente tuvo un desarrollo inverso al que se podría suponer: partí de un monigote y llegué casi al realismo. Fue una “evolución” que se dio naturalmente, sin que yo forzara voluntariamente nada.

P: ¿Has tenido o tienes influencias que se manifiesten en tus pinturas?
R: Todos tenemos Papá y Mamá y yo empecé copiando. Pero como decía “no se quién” la historia del arte es patrimonio de la humanidad y siempre me consideré con derecho a tomar prestado lo que me hiciera falta. Sigo haciéndolo.

P: Entre tus artistas favoritos ¿cuales son los que mas te han aportado en tu carrera y en tu vida?
R: Por mencionar solo algunos diré : Rembrandt siempre, luego Soutine y mas cerquita Bacon y Freud.

P: Ahora hablaremos un poco sobre tu técnica pictórica, ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a trabajar en una obra?
R: Realizo investigaciones siempre. Lo que ocurre es que entre estas y la obra no hay una relación de causa efecto. Por ejemplo durante mas de un año tomé apuntes en el manicomio de Buenos Aires (el Borda) con la idea de hacer una serie sobre la “locura” que nunca hice. Muchos años después y como eco lejano de esta experiencia comenzaron a aparecer los “locos” en mi pintura, en la serie “Contrapunto” en la que trabajo desde hace cuatro años. Para la serie del Tango si me documenté bastante, trabajando a partir de archivos fotográficos de los personajes en su mayoría ya fallecidos.

P: ¿Cuál es el procedimiento que empleas en tus obras? Preparación, desarrollo y acabado.
R: Yo preparo mis telas con loneta cruda, doy imprimación y luego un fondo de color que “condiciona” la paleta. A veces parto de un boceto, otras no. A veces se exactamente lo que quiero y otras espero que surja sobre la marcha (podría decir sobre la Mancha). En cualquier caso la apuesta mas alta es que haya idea previa o no, surja algo inesperado, imprevisto, necesario. El acabado es oficio.

P: ¿Qué sientes cuando has terminado una obra?
R: Julio Cortazar decía: “Yo no escribo cuentos, me los quito de encima” Cambiemos cuentos por cuadros y la frase podría ser mía. La sensación es de alivio y normalmente de decepción. Siempre espero algo mas y eso impulsa a seguir: quizás la próxima vez lo consiga.


P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejarlo todo?
R: No nunca.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Pintar un poco mejor cada día, seguir aprendiendo siempre.

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Rembrandt los milagros no se explican
Una ciudad: Buenos Aires la amo
Un sueño: morir como vivo, pintando.

P: De todo tu trabajo ¿cuál es tu obra favorita o a la que más cariño tienes? ¿por qué?
R: Yo le tengo cariño (debiera decir amor) a La Pintura. Los cuadros una vez pintados que hagan su vida.

P: ¿nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando actualmente?
R: Sigo trabajando en la serie “Contrapunto” que expuse en Estados Unidos y mas recientemente en Chile (Galería Matthei). Como el tema es el de la Edad o de cómo el tiempo nos va dibujando, realizo uno o dos retratos de Gabriela ( mi hija de siete años) al año, autorretratos en cada cumple, jovencitas, ancianas, etc. Paralelamente trabajo en una serie de retratos de pintores, tema que ya abordé en otra ocasión pero en este caso haciendo hincapié en el oficio, el taller, la paleta, etc .

P: Para terminar, ¿Tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Me pasó hace poco en Londres visitando una “importante” Galería de arte, la persona que me recibió y miró con atención mi dossier comenzó la entrevista disculpándose por su escaso dominio del idioma “español”, todo un detalle sobre el que debieran meditar nuestros galeristas tan “importantes” y “ocupados ellos.”

Muchas gracias Pablo por tu tiempo. Desde meseon te deseamos lo mejor.